Estrenamos sección “Track-by-Track” con una banda cuyo mensaje nos caló hondo, y es que la temática de este “De Lira Ire” además de original, consideremos que debería tener mayor visibilidad y que sirva como ejercicio para tomar conciencia de la estigmatización de problemas reales y naturales, como en este caso, la salud mental.
Hablamos de Dûrga, este trío de post-rock valenciano nos ponen los pelos de punta en un álbum con una temática y mensaje poderosos, perfectamente desarrollados a través de ocho temas donde no dejan nada al azar. Sobre una base de sonidos propios del post-rock, exploran otras influencias como el post hardcore o el spoken word entre otros. Ellos mismos nos cuentan en detalle hasta el último secreto de este “De Lira Ire”.
“De Lira Ire” es la expresión del latín de la que surgió el concepto de delirio y locura. “De Lira Ire” significaba entonces “desviarse del surco recto” o “desviarse de la norma”. Este disco trata sobre la salud mental.
Partimos de la premisa de que pese a hacer música (prácticamente) instrumental, queremos transmitir algo, algún mensaje, dejar alguna huella, visibilizar alguna problemática, desahogarnos también de alguna manera. Al fin y al cabo un grupo (pese a que llegue a poca gente como es el caso de una banda de post-rock del estado) es un altavoz, y con este pequeñito altavoz a nosotros lo que nos llena es transmitir, poner sobre la mesa algo que nos inquieta.
Las personas que conviven con alguna enfermedad mental grave son un colectivo muy oprimido, muy estigmatizado, que sufre las consecuencias de su propia enfermedad y también del estigma social y del aislamiento. Con esto además llevan la carga de tener que empoderarse frente a una sociedad que les señala, casi nada. Si nos preocupamos por escucharles, veremos que esto conlleva más sufrimiento que la propia enfermedad.
En De Lira Ire no hay más pretensión que visibilizar y normalizar algo que todxs experimentamos a lo largo de nuestras vidas de múltiples y variadas formas, porque los problemas de salud mental no son exclusivos de quienes padecen algún tipo de esquizofrenia, de trastorno de la personalidad, etc. Todxs y cada unx de nosotrxs padecemos enfermedades más o menos graves, más o menos “invalidantes” (invalidantes para el capitalismo y para la sociedad moderna); ansiedad, ataques de pánico, adicciones, consumismo compulsivo, sentimiento de soledad, sufrimientos de todo tipo… Romper los prejuicios de lo que es lo “loco” y lo que es “cuerdo”.
Pensamos que el cambio social para con las personas estigmatizadas, conllevaría al menos la liberación de la carga psicológica, de tiempo y energía que tienen que asumir para poder empoderarse.
El objetivo del disco no es llorar lo malo que es este mundo (que lo es) ni victimizar a nadie, es todo lo contrario. En él se acepta el propio sufrimiento, e incita a abrazarse a unx mismx y a abrazar a ese entorno que nos quiere y nos cuida.
Las canciones, no pretender hablar por nadie, y están escritas desde las propias vivencias.
Todo el disco y su concepto se ha reforzado con el precioso diseño gráfico por parte de Matamua design y con un bonito fanzine. Este contiene poemas originales del artista Javier Erro sobre la temática de la salud mental e ilustraciones también realizadas ex profeso por nuestro guitarra Santi.
1. Nox
Noche. El tema que inicia el disco es un intro oscura basado en efectos y “ruiditos” de guitarra y bajo. Santi sacó la melodía que enlazaba con Iratus, el “primer” tema y además lo trajo con el efecto que se oye en el disco, tras varias semanas trasteando pedales, con lo que fue tal cual al álbum. El resto de sonidos y capas salieron en el estudio después de trastear bastante con Antoni de LR Estudios. Si os fijáis, se escuchan unos susurros durante el tema. Son palabras relacionadas con la temática del álbum (estigma, ansiedad, paranoia, locura…) susurradas y reproducidas al revés (si, tenemos nuestro punto friki).
2. Iratus
Enfurecido. Santi trajo el riff del principio, y la intención que tuvimos es que fuera un tema que creciera muy poco a poco, con capas y loops grabados sobre los que seguir haciendo que la canción aumentara. Y así es hasta el minuto 4:10 cuando revienta un ritmo bien machacón (de esos que se te va el cuello a hacer un headbanging). Durante los conciertos solemos tocar los cuatro primeros temas del tirón, y en Iratus es donde rompe fuerte por primera vez, por lo que para nosotros es muy divertida de tocar en directo.
3. Amentia
“¿Cuándo se me va a acabar, esta guerra contra el propio ego, la falsa sensación de realidad, y de cuerpo inexperto?
¿Cuándo se me va a quitar, la ansiedad y todo el miedo, la fragilidad de un cristal y las ganas de empezar de nuevo?
Sólo puedo pasar hambre mientras los demás comen polvo y viven como si estuvieran muertos. “
Locura. Intenta reflejar un poco la frustración de sufrir algo que muchas veces no se puede explicar, y la rabia de sentirse sólo frente a problemas y conflictos que la mayoría de las veces son comunes. Este es el tema con mayor cambio de tempos y diferentes estilos, desde el post- hardcore donde canta Santi hasta partes eminentemente progresivas. El tema acaba con una parte final muy enmarañada que desemboca en el siguiente tema.
4. Tempestas
“Voy a empezar a vivir mi verdad, la cobardía será un estado pasajero, Reviviré mi instinto animal, no habrá miedo capaz de quitarme el sueño.
Aunque me siento un extraño entre el resto y oigo murmullos que no se si salen de dentro. Aunque no soy sociable, ni atrevida, ni valido, ni extrovertida “débil” marcado a fuego. Aunque me aterre cruzar el mar de un nuevo día, y tema ahogarme como siempre en soledad, puede que sea naufrago en un mar hostil, pero contigo esta isla es un fortín
Tu, que quitas dolor con tu presencia, Tú que escuchas, que miras, que tocas. A lxs que no juzgan y lxs que creyeron, y lxs que pueden contra mil tormentos“
Tempestad. Es la continuación hxc punk de Amentia. Es el temporal, la tormenta para aprovechar la carrerilla que hemos cogido en los 6 minutos de canción anterior, para derrochar la energía contenida. Posiblemente es la canción más corta y cañera que hayamos hecho hasta la fecha.
Este es un tema que nace de mirar el propio pasado. La soledad, el sentirse extraño, el recibir algún tipo de abuso, ser visibilizado como débil por no entrar en los cánones sociales de personalidad, el ser introvertido, no ser “válido” … sentimientos con los que muchxs de nosotrxs nos podemos sentir identificadxs de alguna manera. Desde un punto de vista de empoderamiento, pensar: “joder, he trabajado mucho para estar donde estoy y estar con quien estoy”. Y, sobre todo, darle rienda suelta al sentimiento de gratitud hacia todas esas personas que han estado ahí, que de alguna manera te han ayudado a “salvarte”.
5. Serenitas
“Mi risa está torcida desde que tú usas los dedos para apuntar y etiquetar y terminar diciendo que yo estoy enfermo, que la solución es encerrar
Mis fobias y paranoias sólo son vuestro reflejo, a mis voces no puedo callar Todos tenemos pájaros en la cabeza y los míos quieren libertad.
Ahora me da igual tu ignorancia es mi hogar, ahora me da igual no encajar, en tus moldes de normalidad.“
Serenidad. Es la reacción al aislamiento y estigmatización por parte de un sistema (y por consecuencia una sociedad) que tiende a categorizarlo y polarizarlo todo, es un rechazo a esa manera de concebir los conflictos internos, y su vez, ese rechazo también significa un reconciliamiento personal y vital. El tema screamo del álbum, con toda una primera parte de guitarra y voz gritada a lo lejos del micro. Un tema que gana en intensidad y emotividad hasta el grand finale.
6. Stella
“Ya me cansé de esperar, ahora me levanto, ya no quiero escapar ahora siento las manos, ya no pienso dejarme llevar
El cansancio no es pretexto para dejar de caminar si el destino está lejos,sólo hace falta querer llegar Ahora luzco huesos y dientes aunque te moleste mirar, lamo mis heridas para que no sangren más.
Ahora me agarro al timón, para ser yo mi capitán y ya no voy a la deriva, si caigo me vuelvo a levantar. Abro las alas cuando e acerque un vendaval, voy a intentar cambiar las cosas que no me dejan volar
Ahora celebro la vida que hay un mundo entero por conquistar.”
Estrella. Intenta ser la voz de ese reconciliamiento con el uno mismo. Muchas veces cuando una persona es rechazada por el sistema o por la sociedad, y estigmatizada por ello, tiende a tener una visión distorsionada de uno mismo, que termina por aceptar ciertos clichés tóxicos y generalistas, que no tienen por qué ser ciertos. Stella es la luz que hay dentro de cada uno, lejos de ese binarismo del bien y el mal, y la aceptación del ser, con todas sus luces y sombras.
Stella la tenemos como la canción más accesible del disco. Una sólida base melódica acompaña todo el tema, y la voz limpia ayuda a la escucha a los menos puestos en estas músicas. Varios loopers, delays y mandolinas completan la receta del clásico post-rock que tanto nos gusta, mezclado con partes más cañeras en la onda de Syberia, Caspian o If These Trees Could Talk.
7. Lux
“Ya no hay barrote capaz de encerrar, ni invierno que esconda el calor de este incendio. Ya no hay refugio que abrigue las dudas, ni edad capaz de hacerme más viejo
He vuelto con diez mil fantasmas y todos los malos pensamientos esta mente enemiga ahora es mi aliada para cuando exploten, todos mis universos.
No hay prisa, ni costumbres mis miedos ahora tienen un paisaje nuevo mis galaxias son ingobernables y ningún dolor, capaz de ser eterno.”
Luz. Muchas veces las guerras internas de cada unx conllevan dolor, y Lux es la forma de como concebimos ese dolor, el que nos provoca la sociedad, o el que nos afligimos nosotros mismos en esas búsquedas internas por ser y estar mejor. Es el desenlace, es el saber reconocerse a unx mismo, con sus puntos débiles para saber dónde ponerse las tiritas para que el dolor, que muchas veces es perpetuo, sea algo constructivo. Se esctuctura en tres partes: un intro sin batería, voz melódica, armonias envolventes y con lira (metalófono). Después empieza un tema más post-rock hasta el cambio brusco de la última parte, con un ritmo más trepidante y distorsionado que llega al head-banging final al que nombramos entre nosotros cariñosamente como la parte doom (al menos doom para lo que estamos acostumbrados a hacer jaja!).
8. Addenda
“En las noches más oscuras, cuando la luna no está deseo ser luz y que me veas, deseo ser llama, que alumbra y no quema. En esas noches en las que el sudor sigue siendo el protagonista, sabiendo que el mundo escuece, y que la tranquilidad solo es el ojo del huracán… Pienso en el odio y el miedo, siempre fueron caminos fáciles…alejarnos no es otra cosa que acercarnos a la distopía. Romper la dicotomía entre el ellxs y el nosotrxs.
Quemar las distancias, abrir las manos y abrazar Abrazar es la victoria contra el miedo.“
Addenda significa “lo que hay que añadir”. Esta canción es la outro del disco, una canción sin batería, únicamente una guitarra atmosférica y un bajo en esa misma línea, para sostener o acompañar un spoken word de cierre. Una letra bastante explícita también, pensada en primera persona. Una reflexión en una noche jodida, que llega a una conclusión sencilla: la distancia y la diferenciación nos hace todavía más vulnerables. Cuidémonos.
“Abrazar es la victoria contra el miedo”
